多くの映画通によれば、映画をリメイクする際の最良の戦略は、オリジナルで本来のポテンシャルを十分に発揮できなかった題材を選ぶことだという。つまり、完成度の高い不朽の名作を作り直すより、改善の余地がある作品を手がけるほうが賢明だという考え方だ。だがブロードウェイでは事情がそれほど明快ではない。過去の作品を蘇らせ、再び人気を博した再演は数多くある一方で、『CHESS』のように、よく知られてはいるが厳密には古典と呼べるほどではない作品をいじるのは、はるかに難しい。
＊『CHESS』に出演するアーロン・トヴェイトとリア・ミシェル。
撮影：マシュー・マーフィー
一方で、多くの観客にとって『CHESS』の再演は、長期ヒット作への甘美な記憶と競合するものではない――少なくとも舞台版に関しては。『CHESS』は、作詞家ティム・ライスと、ABBAのメンバーであるベニー・アンダーソン、ビヨルン・ウルヴァースによるコンセプト・アルバムとして誕生し、アメリカとソ連のチャンピオンが対決する架空の冷戦下チェス世界選手権の物語を描いた。そこから「ワン・ナイト・イン・バンコク」などのヒット・シングルが生まれ、最終的にウエストエンドで上演された舞台版は、3年間という立派なロングランを記録した。
原作がほぼ全編歌唱形式だったのに対し、台詞を大幅に増やしたアメリカ版は1988年にブロードウェイで開幕したが、ほどなくして閉幕。その後もオーストラリアやスウェーデンで別バージョンが初演されている。
当然ながら、現在のプロダクションでは、多くの観客が比較的新鮮な気持ちで作品に臨むことになる。2025年版『CHESS』の刷新における問題のひとつは、舞台裏の思惑や操作が、肝心の素材そのものを圧倒してしまっている点だ。というのも、ダニー・ストロングによる新しい脚本は、しばしば「冷戦の寓話」と誤って呼ばれてきたこの作品を、緊張に満ちた現代に合わせて調整するという点で、どうにも及第点に届いていないからである（CIAやKGBの登場人物がSALTⅡ条約について文字どおり議論しているのに、それを本当に寓話と呼べるのだろうか？）。
物語はイギリス初演版により近い構成を取り、第1幕では、尊大だが精神的に不安定なアメリカ王者フレディ・トランパー（アーロン・トヴェイト）と、より控えめなロシア人アナトリー・セルギエフスキー（ニコラス・クリストファー）による世界選手権戦が描かれる。アナトリーは、勝てなければKGBによって抹消されるかもしれないと考えており（しかも少なくとも物語の冒頭では、それが他人の手によるのか、自らの手によるのかについて、さほど気にしていない）。フレディには「セコンド」であり恋人でもあるフローレンス・ヴァッシー（リア・ミシェル）が付き添っており、彼女はアナトリーとも特別なつながりを持っている。
しかし、舞台をさらうのは、彼らを裁定する男だ。審判役のアービター（ブライス・ピンクハム）は、語り手として頻繁に第四の壁を破り、舞台上の出来事を「冷戦ミュージカル」と呼び、ときには見事なシャウトに感嘆の反応を示す。だが観客に届けられる内容自体はしばしば精彩を欠く。ブロードウェイはいま、これ以上の“お芝居ごっこ的皮肉”を必要としていないし、RFKジュニアやジョー・バイデンといったアメリカ政治家への当てこすりも、決して最先端の政治批評とは言い難い。
むしろそれらは、観客に「この作品はあなたたちのために本当に再構成されていますよ」と保証するため、無理やり押し込まれたように感じられる。単に他国版『CHESS』の寄せ集めではないと示したいがための措置のようだ。それでもピンクハムは、与えられた陳腐な仕掛けを全力で売り切るという、ブロードウェイの由緒ある伝統を体現する俳優であり、決めゼリフが冴えないときでさえ、魅力的な通し役となっている。
彼があまりにも巧みなため、本来は多方向に心理戦を繰り広げるはずの中心3人組の存在感を、かえって損ねてしまっている。トヴェイト、クリストファー、ミシェルはいずれも、オペレッタと80年代後期のフック重視ポップを混ぜ合わせた楽曲を歌う点では健闘しているが、大ナンバーの合間では、正面を見据えて歌う場面以外、ダイナミックなポーズを取った人形のように噛み合わない。特にミシェルは、ストイックなコーチ役の強さが硬直した印象になってしまうが、そもそも書き込みの薄い役柄ではやりようがない（後半に登場するアナトリーの疎遠になった妻スヴェトラーナ役のハンナ・クルーズも、カリスマ性はあるが、やることはさらに少ない）。
一方でトヴェイトは、第2幕冒頭の名曲「ワン・ナイト・イン・バンコク」を歌えるという“当たりくじ”を引いている。このナンバーは、第1幕で描かれた対局から何年も後を舞台にした、壮観な幕開けだ。だが問題は、フレディ・トランパー（アービターが観客に念押しするように、その名前は1980年代初頭に考案された）が、この曲をほとんど偶然に歌っているように感じられる点にある。というのも、この楽曲はショー全体とほとんど関係がないからだ。
ネオンの虹色と、巧みで肌の露出も多いダンサーの大群は確かに圧巻だ。舞台上の橋に配置されたオーケストラ、効果的に使われるスクリーンや発光フレームなど、『CHESS』は視覚的な見どころに事欠かない。しかし、現実に着想を得た架空の対決の裏側で展開される、CHESSさながらの冷戦的駆け引きについて、真に説得力のある洞察を示しているとは言えない（CHESSの試合を、より大きな現実世界の“CHESS”の一部として操るという発想は、鏡の迷宮というより、帽子の上にさらに帽子を重ねたようなものだ）。
ストロングは、ここで描かれる出来事の“現実世界での直後”以降に進んだ核拡散についての厳しい警告を盛り込んでいるが、そのせいで、作中の恋愛三角関係はいっそう実体の乏しいものに見えてしまう。
『CHESS』は依然として奇妙で、珍品的な作品のままだ。「アイ・ノウ・ヒム・ソウ・ウェル」や、「アンセム」のような準主役級ナンバーが持つABBA級のキャッチーさによって、かろうじて支えられているにすぎない。何十年経っても、この作品は、より大きく、より優れたショーを探し続ける“アルバム”のように感じられる。
https://www.theguardian.com/stage/2025/nov/17/chess-review-broadway-abba
